Arta abstractă: originea și istoria, caracteristicile, pictura și altele

Arta abstractă este orice expresie artistică care se detașează de orice reprezentare reală, cu scopul de a crea un spațiu complet diferit de cel natural. Acest sentiment de abstractizare este obținut prin utilizarea unor forme geometrice diferite, precum și a punctelor, liniilor și culorilor pure.

Abstractizarea ca un curent artistic este cunoscută și ca artă non-figurativă; Aceasta înseamnă că acest stil nu are nici un punct de contact cu arta tradițională reprezentativă. Cu toate acestea, această distanță cu realitatea nu implică o negare a acesteia, ci propune mai degrabă o opoziție sau un contrast.

Conform cunoscătorilor, pentru a înțelege arta abstractă este necesar să știm cum să discernem între figurație și abstractizare, deoarece sunt concepte total opuse. Din acest motiv, atunci când aceste noțiuni artistice sunt asimilate, este ușor să se facă diferența între o lucrare abstractă și o lucrare figurativă.

Abstractare și figurație

Fenomenul abstractizării se manifestă atunci când nu este posibil să se asocieze elementul creat cu orice element existent în realitate.

De exemplu, dacă imaginea unui copac este luată și este neclară sau modificată, acest joc artistic nu poate fi considerat o abstractizare, deoarece imaginea păstrează în continuare esența figurii originale; care este, este încă figurativ.

Pe de altă parte, imaginile care nu au nici o referință reală pot fi considerate ca o abstractizare. În domeniul artei abstracte există mai multe aspecte, cum ar fi abstractizarea geometrică, formalismul și abstractizarea expresionistă. Cu toate acestea, toate sunt legate de absența referentului real.

Aceste figuri referitoare la vise nu pot fi considerate o abstractizare deoarece, deși vise și coșmaruri pot provoca imagini suprarealiste (de exemplu unicorn), acestea mențin încă referințe care se găsesc în realitate (în cazul din unicorn, este un cal cu un corn).

Distanțându-se cu lumea figurativă

Abstracționismul a schimbat radical lumea artistică, deoarece, înainte de acest eveniment, arta a rămas sub tutela figurației, în ciuda faptului că în secolele al XIX-lea și al XX-lea forma a început să se estompeze prin alte mișcări, cum ar fi impresionismul, post-impresionism și cubism.

Din momentul în care omul a pictat în caverne, arta a rămas o căutare pentru a reprezenta realitatea.

Până în secolul al XX-lea, artistul nu sa putut despărți de mediul său și de contextul său, astfel încât arta abstractă a permis deschiderea în epistemul unui moment istoric care aspira la mari schimbări sociale și la o renovare estetică.

Abstracția poate fi asociată cu muzica, deoarece sunetele nu pot fi figurative (în ciuda nomenclaturii muzicale). Culorile și formele sunt, de asemenea, abstracte, deoarece oferă o gamă largă de posibilități care nu trebuie neapărat să aibă un adevărat expeditor.

Origine și istorie

Arta abstractă își are originea în mișcările anterioare, cum ar fi cubismul și fovismul; cu toate acestea, există o pictura specială care a servit drept punct de plecare pentru separarea dintre reprezentarea obiectelor reale și percepția vizuală a culorilor.

Această lucrare aparține pictorului James McNeill Whistler și este numită Nocturn în negru și aur: racheta care se încadrează. În acest tablou din 1874 se poate vedea o gamă de culori închise și este dificil să se găsească direct forme umane sau construcții arhitecturale.

Ceea ce este ușor de apreciat sunt brushstrokes de lumină și umbra, în plus față de punctele de aur care par să evocă un afiș de focuri de artificii.

Influența cubismului, expresionismului și fovismului

Odată cu apariția lucrărilor lui Pablo Picasso și a lui Georges Braque, a fost permisă intrarea forțată la forme geometrice și culori plate. De asemenea, Paul Cézanne sa aventurat de asemenea în începuturile sale în crearea unei realități alternative; adică a lucrat la o reconstrucție a figurativului.

La rândul lor, artiștii expresioniști au fost responsabili pentru exploatarea - chiar și în mod grotesc - a intensității paletei de culori și a formelor. Picturile sale sunt considerate de către critici ca un exces de pasiuni, care s-au manifestat într-o manieră reacționară înainte de o perioadă de mare groază socială.

În același fel, o lucrare precum El Shito de Edward Munch este fundamentală pentru dezvoltarea a ceea ce mai târziu a fost arta abstractă sau non-figurativă a secolului XX. Se ia în considerare și pictura intitulată "Intrarea lui Hristos în Bruxelles", de James Ensor.

Alți mari exponenți de avangardă, cum ar fi Paul Gauguin, Henri Matisse și Georges Seurat, sunt considerați o sursă de inspirație esențială pentru cine mai târziu a fost cel mai mare reprezentant al abstractionismului, Vasili Kandinsky.

Acest lucru se datorează faptului că limba culorii brute, împreună cu diferitele sale peri, au influențat puternic pionierul renumit.

De la Baudelaire la Mallarmé: încercați să distanța referința

În lumea scrisului se dezvoltau, de asemenea, diferite mișcări care aveau scopul de a se rupe cu cele stabilite și se încheiau cu toate referentul real. În domeniul scrisorilor, această separare a fost ceva mai dificilă, deoarece în mintea umană cuvintele vor căuta mereu să-și susțină referințele.

Cu toate acestea, acești poeți au realizat legătura cu interiorul formei prin imaginea acustică a cuvântului, detașându-se de conceptul la care se referă.

Marele poet al modernității, Charles Baudelaire, a fost responsabil de însămânțarea seminței ideii că toate simțurile reacționează la anumite stimuli artistici, deoarece acestea sunt legate printr-un nivel profund estetic care se află în subconștientul ființei umane.

Cu alte cuvinte, toate artele au capacitatea de a trezi anumite senzații în ochi, în urechi și în mintea perceptorului, fără a fi nevoie să răspundă unui referent real.

De asemenea, renumitele poeți francezi, cum ar fi Stéphane Mallarmé, Arthur Rimbaud și Guillaume Apollinaire, au căutat să distanțeze formularul referențial pentru a se concentra pe bucuria sonorității cuvintelor și a ceea ce ei pot evoca în cititor, fără să se refere la concept.

Aceasta înseamnă că este vorba de modificarea structurii mentale a cititorului astfel încât el / ea să scape de parametrii stabiliți și să îndrăznească să combine și să creeze senzații diferite prin sonoritatea silabelor. Prin urmare, este o abstracție în scris.

Clapele de acuarele muzicale ale lui Claude Debussy

Ca strămoș muzical al artei abstracte mai târziu este marele compozitor Claude Debussy, ale cărui piese muzicale păreau să imite brushstrokes de pictori impresionist și post-impresionist.

În același mod, acest compozitor este, de asemenea, asociat cu mișcarea simbolistă, deoarece notele sale erau constituite dintr-o încărcătură alegorică puternică, însoțită în schimb de o influență orientală remarcabilă.

Aceasta înseamnă că, pentru muzicieni precum Debussy și Erik Satie, obiectele observate în viața de zi cu zi sunt doar simboluri care răspund unei realități mult mai profunde, care se manifestă pentru ființa umană printr-un sunet însoțit de culoare și mișcare. .

Caracteristicile artei abstracte

Încearcă să surprindă esența

Deși are aspecte diferite, mișcarea abstractionistă este caracterizată în principal de căutarea esenței primitive a obiectelor.

Prin urmare, arta abstractă încearcă să surprindă în manifestările sale artistice explorarea conștiinței și a inconștienței la nivelurile ei cele mai pure.

libertate

O altă caracteristică a acestuia este libertatea de a aplica tehnici și elemente și semnificația acestor resurse.

De exemplu, acest lucru este aplicat în mod clar în câmpul cromatic: culorile au o expresie artistică proprie, fără a fi nevoie să se refere la un concept real.

Absența formelor reale

Abstracționismul nu are forme reale; se folosesc doar figuri geometrice, deoarece este un stil care se adresează unei simplități totalizatoare de formă.

pictură

-Vasili Kandinsky

Pentru mulți critici, arta abstractă începe cu lucrările lui Vasili Kandinsky; Cu toate acestea, trebuie remarcat faptul că în anul 1910, marmura franceză din marmură a devenit faimoasă, care poate fi considerată începutul abstractizării.

Cu toate acestea, potrivit experților, importanța lui Kandinsky în istoria artei este incontestabilă. Acest pictor a avut o moștenire a sângelui oriental, pe care a folosit-o ca inspirație pentru lucrările sale.

În plus, același artist a recunoscut că a fost inspirat de catedralele mitice ale Moscovei; Potrivit lui, arhitectura colorată a orașului a fost compusă din ciocniri artistice în aspectul exterior, care reflectă o interioritate armonioasă estetică și culturală.

În timpul operei sale artistice, Kandinsky a susținut căutarea esenței primare a formei. Din acest motiv, lucrarea sa poate fi rezumată în trei cuvinte: culoare, percepție și senzație.

În consecință, se poate constata că arta abstractă este o concesie care presupune o condiție mistică a absolutului; adică, el pariază pentru o evoluție ideologică și filosofică continuă.

Prima acuarelă abstractă

Pentru a atinge totalitatea estetică a acestor trei presupoziții, autorul a promovat utilizarea elementelor de bază de plastic, cum ar fi elementul-punct primar în lucrarea pictorială, linia, avionul și culoarea.

Prin asociațiile și legăturile dintre aceste elemente, am obținut percepții și senzații noi și diferite pentru ochiul uman.

Având în vedere acest lucru, se poate spune că arta abstractă sa născut în anul 1910 cu prima acuarelă abstractă a lui Kandinsky. În acest tablou puteți vedea forme colorate, linii și valori de plastic fără a fi asociați cu realitățile; adică este o lucrare compusă din elemente non-figurative.

În plus, în cazul în care privitorul observă cu atenție această lucrare, puteți observa că pictura este compusă în principal din culori primare și secundare, subliniind în principal culorile albastru și roșu. Acestea evidențiază, de asemenea, câteva lovituri de tonuri gri, care provoacă un contrast cu vivacitatea celorlalte culori.

-Piet Mondrian

Acest renumit pictor olandez nu sa specializat în începuturile sale în abstractizare, dar mai întâi a lucrat cu alte stiluri precum naturalismul și simbolismul. În ciuda pluralității stilurilor, artele sale plastice au rămas influențate de studiile sale filosofice și spirituale.

În căutarea de a găsi esența vitală a lucrurilor, Mondrian a jucat într-un anumit mod cu abstracție geometrică pentru a găsi structura de bază a universului în picturile sale.

Din acest motiv, lucrările sale sunt denotate în principal de culoarea albă - care este considerată "non-color" datorită prezenței totale a luminii și a tuturor culorilor - și de negrul de culoare, considerat și "non-color". culoare "datorită absenței totale de lumină și prezenței tuturor culorilor.

Una dintre cele mai renumite opere, legate de arhitectura abstractă, este pictura intitulată Compoziție în roșu, galben, albastru și negru, pe care a realizat-o în anul 1921.

Aici puteți vedea o serie de figuri dreptunghiulare de diferite dimensiuni și culori; cu toate acestea, paleta este destul de fundamentală și primară: după cum sugerează și numele, culorile sunt roșii, galbene, albastre și negre, ceea ce poate aminti picturile expresionistului Mark Rothko.

sculptură

Sculptura nu a fost lăsată în urmă în mișcarea abstracționistă; de fapt, el a introdus o noutate în stil: tridimensionalitate. Acest lucru sa întâmplat deoarece, în pictura abstractă, figurile apar întotdeauna plane, în timp ce în sculptură se promovează profunzimea formei.

-Henry Moore

Unul dintre principalii săi exponenți a fost sculptorul britanic Henry Moore, ale cărui figuri monocrome par să aibă mișcări și să mențină o inspirație ușoară romantică și victoriană, potrivit aceluiași artist.

Moore a recunoscut, de asemenea, că a avut influențe de la mari artiști renascentiști precum Giotto, Michelangelo și Giovanni Pisano. În plus, autorul a fost uimit de formele sculpturilor pre-columbiene Toltec și Maya.

Numeroasele sale forme abstracte au fost sculptate în principal din marmură și bronz. La începutul carierei sale Moore a aplicat sculptură directă; Cu toate acestea, în anii 1940 sculptorul a decis să înceapă cu tencuială sau lut, și a aplicat, de asemenea, tradiționale și vechi "ceara pierdut" turnare.

valuri

Sculpturile sale au ca principală caracteristică utilizarea unor forme cu spații goale și goale, inspirație pe care, după critici, le-a dobândit din peisajele județului englez Yorkshire, țara sa natală.

În ciuda faptului că pictura abstractă pledează pentru eliminarea figurativului, în lucrările lui Henry Moore putem percepe abstracțiuni care nu se disociază de figura umană. Puteți chiar distinge reprezentarea corpului feminin și a figurilor materne.

Una dintre cele mai cunoscute lucrări ale lui Moore este " Trei Piesele nr. 2", care se află în Plaza Toronto City Hall și a fost făcută în 1964.

Această piesă sculpturală monocromă este una dintre cele care se potrivește mai bine în preceptele abstractizării, deoarece forma ei nu poate fi direct legată de nici o referință reală.

-Richard Serra

Un alt mare exponent al sculpturii abstracte este cunoscutul artist plastic Richard Serra, de naționalitate americană. Acest artist, care încă mai trăiește, este considerat de critici drept unul dintre cei mai buni sculptori ai timpului nostru.

Serra este un sculptor minimalist care preferă să lucreze cu o bucată mare de platină din oțel, ceea ce face munca lui estetică mai admirabilă.

Prima etapă a artistului este cea care corespunde într-o manieră mai bună cu idealurile abstracționiste, pentru care el a folosit mai ales materialul plumbului topit.

Lucrări de oțel

Este, de asemenea, cunoscut pentru realizarea unor structuri metalice rectangulare mari. Una dintre cele mai renumite este așa-numitul Arc Tilted, care are o înălțime de 3, 5 metri și are o curbură sugestivă și subtilă. Această sculptură poate fi văzută astăzi în Plaza Federal din New York City.

O altă sculptură abstractă foarte apreciată de criticii artistice este cea cunoscută sub numele de Șarpe, care este formată din trei straturi de oțel, care se bucură de asemenea de o curbură (curburile în forma geometrică sunt cele mai reprezentative caracteristici ale acestui artist). Lucrarea este localizată în Muzeul Guggenheim din Bilbao.

Una dintre cele mai cunoscute și mai bine lucrate lucrări ale Serrei este așa-numita The Matter of Time, care este compusă din șapte sculpturi remarcabile, realizate din materialul preferat al artistului: oțel corten.

Aceste figuri sunt constituite în întregime prin forme rotunde și oblice, care ne amintește de formele naturii și caracterul rotund și înșelător al timpului ca o construcție umană.

arhitectură

În secolul al XX-lea, o căutare a esenței și a formelor primitive sa manifestat și în cadrul disciplinei arhitecturale. Din acest motiv, în arhitectura abstractă domina figurile geometrice și plate, purtate de asemenea într-un stil minimalist.

În același timp, arhitectura care aparține acestui stil estetic încearcă să abordeze adevărata valoare a formei, separându-l de haos și de realitatea arbitrară a vieții de zi cu zi. În cadrul acestor elemente piesa arhitecturală este inspirată de natură, dar este din ce în ce mai evidentă în căutarea simplității spiritului artistic.

În arhitectură este necesar să se adapteze principiile abstractizării picturale, deoarece, asemenea sculpturii, este necesară o realizare tridimensională a formei. În plus, înainte de realizarea infrastructurii, este necesar ca artistul să se întrebe dacă această formă pe care dorește să o producă poate fi realizată în realitatea concretă.

În general, arhitectura abstractă este compusă din ferestre mari dreptunghiulare, precum și forme simple și solide pătrate.

-Mies van der Rohe

Unul dintre cei mai cunoscuți arhitecți abstracti este germano-americanul Mies van der Rohe, care a intrat în istorie ca unul dintre cei mai importanți artiști în arhitectura modernă. A fost director al remarcabilului școală germană Bauhaus; totuși, a trebuit să părăsească funcția din cauza intrării nazismului.

Arhitectura sa este recunoscută pentru simplitatea și claritatea sa, caracteristici foarte caracteristice abstracționismului. În plus, artistul prefera materialele fiind oțelul industrial și foile de sticlă notabile, pe care le folosea pentru interiorul fațadei.

Una dintre cele mai faimoase opere ale sale este în Barcelona și este numită după Pavilionul german, finalizată în 1929. Arhitectura sa este compusă din figuri geometrice simple și atrage atenția asupra mărimii sale modeste. Se compune dintr-o plantă liberă și menține influențe notabile ale neoplasticismului.

-Gerrit Rietveld

Gerrit Rietveld a fost un cunoscut artist plastic care poseda diferite fațete, de vreme ce el se remarcă nu numai în arhitectură, ci și în dulgherie și design. Proiectele sale de ustensile, cum ar fi scaunul roșu și albastru din 1918, denotă caracterul modern și geometric ca element al erei.

Cea mai faimoasă lucrare arhitecturală și cea mai asemănătoare estetică abstractă este așa-numita Casă Rietveld Schröder, construită în 1924. Astăzi, acest loc este folosit ca muzeu.

În ceea ce privește caracteristicile sale, atât interiorul cât și exteriorul casei implică o schimbare cu toți parametrii arhitecturali anteriori; prin urmare, importanța lucrării.

Nu există încăperi în interiorul casei, există doar o zonă larg deschisă. Fatada exteriorului este constituită din linii și planuri, distanțate și colorate, cu scopul de a crea ceva diferit.

muzică

După cum se menționează în primele paragrafe, este important să ne amintim că muzica în sine este abstractă, deoarece nu poate fi figurativă, chiar dacă are o nomenclatură simbolică pentru scoruri.

Prin urmare, muzica abstractă nu poate exista ca o mișcare artistică. Cu toate acestea, există un stil de muzică cunoscut sub numele de muzică absolută, care constă din acele lucrări muzicale care nu au plus de muzică suplimentare; adică nu sunt legate de nici un text.

Cu alte cuvinte, muzica absoluta nu are poezie si versuri, ci doar o compozitie instrumentala; prin urmare, se poate considera că toată muzica lipsită de versuri aparține acestui gen. Unele exemple pot fi găsite în sonate, în simfonii sau într-un concert.

În secolul al XX-lea au existat mai mulți compozitori care s-au remarcat pentru inovațiile lor muzicale artistice și care au coincis cu începutul abstractizării. Printre cele mai proeminente sunt Igor Stravinsky și Maurice Ravel.

-Igor Stravinsky

Stravinsky a fost dirijor și compozitor de orchestră de naționalitate rusă, considerat unul dintre cei mai buni muzicieni ai secolului XX. Pe măsură ce a trăit până când avea 89 de ani, a avut ocazia să exploreze aspecte muzicale diferite; cu toate acestea, lucrările sale cele mai recunoscute au fost cele elaborate în primii ani de carieră artistică.

Una dintre cele mai apreciate compoziții se numește The Firebird, un balet care a avut premiera pentru prima dată în 1910 la Paris.

-Maurice Ravel

La fel ca și Claude Debussy, acest renumit compozitor francez sa aflat în așa-numita muzică impresionistă, caracterizată prin influențele sale orientale și evocarea culorilor prin sunete. Ravel a menținut, de asemenea, trăsăturile expresionismului și neoclasicismului.

Acest muzician este apreciat pentru mai multe lucrări, iar una dintre piesele sale cele mai interpretate este Bolero, care a avut premiera la Paris în 1928; din acel moment succesul acestei compoziții a fost masiv și universal. Mișcarea orchestrală este inspirată de dansul spaniol încălzit, foarte popular în acea perioadă.